Ein Film von Wes Anderson ist vor allem filmisch. Die Liebe und das Verständnis des Drehbuchautors/Regisseurs für den Film als kreatives Medium sind in jedem seiner Bilder zu erkennen. Diese Hingabe an das Kino ermöglicht es ihm, das Medium genau nach seinem Geschmack zu manipulieren. Obwohl Wes Anderson Ästhetik über Realismus stellt, gelingt es jedem Film, eine ergreifende, nachvollziehbare und menschliche Geschichte zu erzählen. Aber was ist der wes anderson style? Und was können wir daraus lernen?
So erkennen Sie einen Wes Anderson-Film
Es gibt einige offensichtliche visuelle Elemente, die den wes anderson style definieren: allgegenwärtige Symmetrie, Kompositionen im Tableau-Stil, spärliche und bewusste Farbpaletten und die Vorliebe für lange Einstellungen. Mit diesen und anderen Tools sagt Ihnen Anderson jederzeit genau, wohin Sie schauen sollen, und führt den Blick mühelos durch den Rahmen. Lassen Sie uns jedes der Schlüsselelemente etwas genauer untersuchen, um zu sehen, wie das funktioniert.
Symmetrie
Wes Anderson mag Symmetrie. In keinem seiner Filme kommt man bei mehr als ein paar Aufnahmen in jede Richtung ohne eine Aufnahme zurecht, die perfekt zentriert ist. Das ist nicht nur von Natur aus angenehm für das Auge, sondern bietet auch einen natürlichen Brennpunkt für jede Komposition, egal ob es sich um eine Figur, ein Objekt oder einen Ort handelt.
Schon in Andersons erstem Film „Bottle Rocket“ (1996) wird Symmetrie zu einem charakteristischen Teil seines Stils.
Tableaukompositionen
Die ständige Verwendung von Symmetrie unterstreicht auch die Tatsache, dass jedes Bild präzise komponiert ist, was den Eindruck vermittelt, dass jede Szene ein Tableau oder eine Bühnenkulisse ist – wie eine selbstbewusste Destillation einer komplexeren Erfahrung. Diese sorgfältig inszenierten Szenen verweisen auch oft auf bekannte Kunstwerke. Beispielsweise ahmt diese Szene in „Moonrise Kingdom“ (2012) DaVincis „Das letzte Abendmahl“ nach.
Farbe
So wie jedes Bild bewusst komponiert ist, so hat jeder Film eine bewusst gewählte Farbpalette. Einheitliche und aussagekräftige Farbschemata vereinen jede Szene und geben gleichzeitig den Ton für die Geschichte an.
Beispielsweise unterstützt ein überwiegend blau-weißes Farbschema die nautische Kulisse von „Die Tiefseetaucher“ (2004). Die typischen roten Team-Zissou-Mützen heben sich deutlich vom blauen Hintergrund ab und lenken unsere Aufmerksamkeit immer wieder auf die Crew.
Ebenso baut „Der fantastische Mr. Fox“ (2009) eine Farbpalette um das Orange eines Fuchspelzes auf und verleiht der bezaubernden Kulisse Wärme und Harmonie. Im Gegensatz dazu wirken die dunkleren Grautöne der von Menschenhand geschaffenen Tunnel und das Schwarz der Wolfssilhouette für unseren Fuchshelden und seine Waldfreunde fremd (wenn auch aus anderen Gründen). Auf diese Weise gibt die Farbe den Ton an und unterstützt die Erzählung.
Auch „Grand Budapest Hotel“ (2014) verwendet Farben, um den Niedergang der Pracht des Hotels darzustellen. Helle, satte Rot- und Lilatöne symbolisieren die Glanzzeit des Hotels, doch mit dem Verlust des Glanzes des alten Gebäudes geht auch die Farbpalette verloren.
Lange braucht
Ein weiteres häufiges visuelles Element im wes anderson style ist die lange Einstellung. Wir sehen oft Kamerafahrten, schnelle Schwenks und lange statische Aufnahmen. Dieser Aufnahmestil erfordert eine präzise Choreographie verschiedener Bildelemente, aber das Ergebnis ist ein tiefes Gefühl von Kontinuität und Verbindung zwischen den Charakteren. Hier ist ein Beispiel vom Ende von „Darjeeling Limited“ (2007).
Sobald das Muster aus langen Einstellungen und zusammenhängenden Aufnahmen etabliert ist, kann Anderson dieses Muster durchbrechen, um an Schlüsselmomenten der Handlung ein Gefühl von Chaos zu erzeugen. So wird beispielsweise in dieser Verfolgungsjagd aus „Die Royal Tenenbaums“ (2001) das Tempo schnell gesteigert. Erst als die Brüder beginnen, sich zu versöhnen, kehrt die statische lange Einstellung zurück.
Gemeinsame Erzählstränge
Andersons typische visuelle Elemente sind leicht zu erkennen, aber es gibt auch erzählerische Elemente, die in seinem gesamten Werk immer wieder auftauchen. Anderson erzählt oft Geschichten über Außenseiter, die ihren Platz finden. Dies kann die Form von Coming-of-Age-Geschichten annehmen, wie in dem halb-autobiografischen „Rushmore“ (1998), oder Geschichten über Midlife-Crisis, wie wir sie in „Die Tiefseetaucher“ sehen.
Oft kommen diese Themen im selben Film vor, wie in „Moonrise Kingdom“ und „Der fantastische Mr. Fox“. Hier ermöglicht Andersons Ensemblebesetzung, mehrere Handlungsstränge miteinander zu verweben. Die nebeneinander dargestellte Darstellung dieser verschiedenen Lebensabschnitte entlarvt sie als parallele Erzählungen und lässt vermuten, dass wir vielleicht nie wirklich mit dem Erwachsenwerden fertig sind.
Weitere gemeinsame Themen sind komödiantische Geschichten mit tragischen Elementen und Dialoge, die trocken und destilliert sind, ohne an emotionaler Wirkung zu verlieren. Tatsächlich hilft die trockene Darstellung, Melodrama zu vermeiden, das die hyperstilisierten Kulissen und Charakterdesigns ins Absurde treiben könnte.
Wes Andersons Inspiration
Als Inspiration nutzt Anderson oft Geschichten aus seinem eigenen Leben, er lässt sich aber auch visuell und thematisch vom Thema des jeweiligen Films inspirieren.
Als Anderson beispielsweise den in Japan spielenden Film „Isle of Dogs“ (2018) drehte, studierte er japanische Kunst und Medien – insbesondere japanische Holzschnitte aus der Edo-Zeit –, um den Ton und die Ästhetik des Films zu prägen.
Auch „Die Tiefseetaucher“ ist offensichtlich vom Leben des berühmten Tiefseeforschers Jacques Cousteau inspiriert. Im Film ist der spektakuläre Querschnitt von Zissous Schiff eine direkte Referenz auf ein Diagramm von Cousteaus Forschungsschiff Calypso. Sogar der Name von Zissous Schiff, die Belafonte, ist eine Hommage an das Originalschiff. Harry Belafonte ist natürlich ein bekannter Calypso-Sänger.
Aus „Die Welt der Ozeane“ von Jacques Cousteau, Band 21 (1978)
In seinen Werken zollt Anderson der Geschichte des Kinos auch durch die Übernahme von Kompositionen und Einstellungssequenzen Tribut.
Tatsächlich bieten die verschachtelten Geschichten von Andersons jüngstem Film „The French Dispatch“ (2021) reichlich Gelegenheit für Referenzen und Wiederholungen.
Wes Andersons Einfluss
Bei einer so erkennbaren Ästhetik – und wir haben noch nicht einmal über die Musik und die Kostüme gesprochen – ist es nicht verwunderlich, dass Anderson eine ganze Reihe von Nachahmern hat. Besonders Vampire Weekend bedient sich in ihrem Musikvideo zu „Oxford Comma“ (2008) des Stils von Wes Anderson . Andersons Stil taucht auch in Werbespots auf, da er oft Werbeaufträge annimmt, um seine Spielfilmprojekte zu unterstützen.
Über seinen Einfluss auf die Medien hinaus hat Andersons einzigartiger Stil auch unsere Sicht auf die Welt um uns herum beeinflusst. Siehe beispielsweise „Accidentally Wes Anderson“ auf Instagram .
So entwickeln Sie Ihren eigenen Stil, der es mit Wes Anderson aufnehmen kann
Was können wir also von Wes Anderson lernen? Hier sind die einfachen Erkenntnisse: Symmetrie erfreut das Auge, bewusst gewählte Farbpaletten bereichern die Geschichte und lange Einstellungen bewahren die Kontinuität. Wir können uns einen Film von Wes Anderson ansehen und die Ästhetik problemlos reproduzieren – aber bedeutet das, dass wir etwas über die Kunst und das Handwerk des Filmemachens gelernt haben? Hier sind einige Lektionen, die wir von Wes Anderson lernen können und die uns im Filmemachen oder bei jedem anderen kreativen Unterfangen vielleicht noch weiter bringen:
Erstens: Lieben und verstehen Sie das Medium. Wenn Sie die Filme studieren, die Sie lieben, werden Sie die Tricks und Werkzeuge dieser Kunst entdecken. Mit der Zeit und Liebe zum Detail werden Sie in der Lage sein, diese Werkzeuge einzusetzen, um genau die Geschichte zu erzählen, die Sie erzählen möchten.
Zweitens: Vertrauen Sie auf Ihren Geschmack. Der wes anderson style ist nicht jedermanns Sache, aber das ist ok. Anderson weiß, was ihm gefällt, und sein Geschmack spiegelt sich direkt in seinen Filmen wider sizzle reel.
Drittens: Machen Sie keine Kompromisse. Geben Sie sich nicht mit „gut genug“ zufrieden. Wenn Sie möchten, dass die Aufnahme zentriert ist, nehmen Sie sich die Zeit, die Kamera entsprechend einzustellen. Die Zuschauer können vielleicht nicht artikulieren, warum ein leicht unrechtwinkliger Kamerawinkel sich komisch anfühlt, aber sie werden es auf jeden Fall spüren.
Dies sind die wahren Lehren, die man von jedem großen Regisseur ziehen sollte. Wenn Sie diese Lehren befolgen, sind Sie auf dem Weg, Ihren eigenen, einzigartigen und unvergesslichen Filmstil zu entwickeln.